Борис Вальехо и Джули Белл: спортивное фэнтези
Супруги Борис Вальехо (которого в 1990-е в России называли Борисом Валеджио) и Джули Белл — американские художники, работающие в жанре фэнтези. Множество их рисунков с полуголыми воинственными мужчинами и женщинами в окружении драконов, единорогов и прочих мифических созданий знакомы нам по обложкам книг и альбомов, календарям и футболкам.
Оба художника влюблены в человеческое тело и прорисовывают персонажей с анатомической точностью. Борис в молодости занимался бодибилдингом, а Джулия — спортом. Здоровое и крепкое тело для них — это жизнь.
Супруги позировали друг другу и всячески помогали в творчестве.
Источник
Они вместе рисуют комиксы и иллюстрируют фантастические произведения. Джулия со скрупулезной точностью выписывает природу и животных, а к изображению декоративных элементов и драгоценных камней у нее особенная страсть, так как одно из ее любимых направлений в искусстве — ар-нуво.
Источник
Виды и характеристика художественных холстов
Специалисты в своем деле очень внимательно относятся не только к выбору краски, но и к выбору холста.
Хлопок
Хлопковое полотно бело-кремового оттенка — самое распространенное в современной живописи. Это послушный материал, актуальный для любой техники рисования. Стоимость хлопка ниже, чем льна. Несмотря на его популярность, у материала немало минусов. Такая материя склонна впитывать влагу, деформироваться под ее воздействием, на ней возможно появление плесневых грибов. Долговечность материи также под вопросом.
Лен
Волокна льна сероватого оттенка, они используются в живописи уже не одно столетие. Это «благородный» материал, его стоимость гораздо выше хлопка. Можно отметить долговечность льняного полотна, его устойчивость к воздействиям извне и температурным перепадам. Льняной холст не провисает спустя десятилетия, не поглощает влагу в больших количествах. Но вес такого материала будет немного больше, чем с хлопковой основой.
Синтетическая основа
Полиэстеровые волокна «выигрывают» в показателях прочности. В них меньше риска возникновения деформаций, они менее подвержены влиянию внешних воздействий. Синтетика не склонна гнить или впитывать влагу. Материал легкий, но не вызывает доверия у профессионалов. Это современный материал, поэтому оценить его долговечность на практике пока что невозможно.
Как скульптор Джон Чемберлен из деталей автомобиля создавал исскуство.
Вдохновленный художниками – абстрактными экспрессионистами 1940-х годов, скульптор Джон Чемберлен переместил свои работы в третье измерение, тщательно сгибая, придавая форму и сваривая старый автомобильный листовой металл, – в произведения искусства, которые потрясающим образом улавливают и отражают свет. Он использовал автомобильный листовой металл в качестве средства для своего искусства с конца 1950-х годов вплоть до своей смерти в 2011 году. На его работы оказали влияние вышеупомянутый абстрактный экспрессионизм, а также нео-дадаизм, поп-арт и стиль «Objet Trouvé» Марселя Дюшана.
Чтобы увидеть в деформированных автомобильных металлических деталях Джона Чемберлена что-то интригующее и странно красивое, нужно, конечно же, очень любить автомобили. Так что не каждый может понять его странные металлические произведения искусства. Но для ценителей они больше, чем просто сломанные и деформированные кузовные автодетали. Например, для обычных людей крыло автомобиля – всего лишь деталь кузова. Для ценителей искусства и фанатов автомобилей крыло – как часть целого, а значит, оно служит определенной цели.
В свое время Чемберлен был вдохновлен формой крыла автомобиля Ford 1929 года, которое он нашел на свалке. Чтобы придать ему желаемую форму, он несколько раз проехал через крыло на собственной машине. Это создало складку и интересную форму. Скульптор был доволен, создав свою первую автомобильную скульптуру, которая стала для него как первый холст для художника.
По мере того как его искусство развивалось, он изучал искусство автомобильной окраски листового металла в недрах культуры южных калифорнийских хотродов (особый класс мощных американских автомобилей), представив публике несколько впечатляющих металлических скульптур с аэрографическими деталями.
Эта грубая форма изгибания крыльев исчезла из его репертуара несколько лет спустя, когда он устал от нападок критиков, которые сравнивали его изогнутые автофрагменты «Кадиллака» с метафорическими чтениями, такими как «цена американской свободы», или другой подобной ерундой. Его искусство было хаотичным риффом, делающим вещи привлекательными для глаз, и ничего более, по словам художника.
В конце 1960-х годов Чемберлен экспериментировал со сложенной и перевязанной пеной, алюминиевой фольгой, коричневыми бумажными пакетами и большим листом из нержавеющей стали, чтобы избежать связи с автомобильными деталями, но возвратился к своему старому автомобильному увлечению в середине 1970-х годов.
Если вы не можете увидеть искусство в куче металлолома, вы не одиноки. В 1973 году две его большие работы весом под 100 кг были приняты за хлам за пределами чикагской галереи и вывезены на свалку. Этот анекдот из жизни – пример того, почему многие любят Чемберлена. Подобно некоторым собственным автомобилям, легко принять сложные формы и случайные сварные швы за мусор, но для истинных ценителей автомобилей они очень много значат. То есть точно также, как что-то значили для скульптора Чемберлена.
Совсем недавно в Интернете я увидел скульптуру Чемберлена «Bees Knees» (1988 год), которая выставлена в Художественном музее Палм-Спрингс, Южная Калифорния, США, и, не проводя каких-либо предварительных исследований, я был приятно удивлен увиденным. Из нескольких работ, которые я видел до сих пор, я думаю, что это моя любимая. Это простая амальгама из белого листового металла, соединенная хромированными бамперами.
Когда я впервые обнаружил работу Чемберлена, я обнаружил, что пытаюсь понять, из каких машин создана работа и из каких деталей. Художник называл разбитые машины на свалке удобрением для своего искусства. И это действительно так. Ведь отходы из одной вещи в работах скульптура снова становятся источником жизни для чего-то другого. Так Чемберлен создавал новую сущность.
Если бы мы все стремились повторно использовать что-то, что когда-то считалось сломанным и не поддающимся ремонту, чтобы создать что-то совершенно новое и интересное, тогда наш мир был бы лучше, прекрасней и экологически чище.
Неважно, будь то столь же сложное, как демонтаж двигателя из разбитой машины для создания произведения искусства, или это простое старое автомобильное крыло, к которому прикрепляется изогнутый металлический бампер, в любом случае эти части, которые должны были быть уничтожены, утилизированы или гнили бы на помойке, в руках великого скульптора Чемберлена обретали новую жизнь
Исаак Левитан: сено лучше черепов
Любитель уединенных прогулок и мастер лирического пейзажа Исаак Левитан написал в 1879 году картину «Осенний день. Сокольники». Он показал ее другу Николаю Чехову, художнику и брату знаменитого писателя. Николай посмотрел на полотно и предложил добавить фигуру загадочной женщины в черном. Предложил — и сам сделал. Итоговая версия понравилась Павлу Третьякову, который поспешил купить работу.
И. И. Левитан «Осенний день. Сокольники» (1879). Источник
Людей Левитан изображал неохотно и редко, но нельзя сказать, что они живописцу совсем не давались. Он 11 лет отучился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и блестяще прошел итоговое испытание: написал этюд с обнаженного натурщика — хотя в годы учебы он отказывался рисовать черепа, скелет и всё, что ассоциировалось у него со смертью.
Константин Коровин вспоминал, как поспорил с Левитаном, нужно ли художнику знать анатомию. Слова последнего объясняют многое в его творчестве: «Я хочу писать стог сена, в нем же нет костей и анатомии…»
Илья Репин и Иван Айвазовский: как сделать из мариниста портретиста
Все мы знаем Айвазовского как великолепного мариниста. Мало кто вспомнит его «сухопутные» произведения, а уж портреты тем более. Людей художник изображал крайне редко — в основном отводил им скромное место где-то там, в уголочке, чтобы пейзаж не портили. Человеческие фигуры получались у Айвазовского как ветерок над морем: легко, неуловимо и символично.
Однако это не помешало живописцу создать серию из двадцати картин, героем которых стал Пушкин. Айвазовский познакомился с поэтом в 1836 году на выставке в Академии художеств, но рисовал его по памяти уже годы спустя.
Например, посмотрите на работу «Пушкин на вершине Ай-Петри при восходе солнца». Нашли поэта? Ну да, он один из тех двух всадников в углу картины. Который? Возьмите лупу!
И. К. Айвазовский «Пушкин на вершине Ай-Петри при восходе солнца» (1899)
Посмотрим на другую картину — «Пушкин на берегу Черного моря». Поэт отдыхает на каменистом берегу. Выражение его лица мы видим недостаточно четко, чтобы определить по нему, насколько холодны камни, на которых он сидит.
И. К. Айвазовский «А. С. Пушкин на берегу Черного моря» (1887)
И вот нам попадается на глаза «Прощание Пушкина с морем». Пушкин-гигант во весь рост на большом холсте (228×157 см). Сейчас-то мы заглянем в его глаза и увидим в них отражение сосредоточенного Айвазовского с кисточкой в зубах. Стоп! А в отражении — кто-то другой!
Невидимая рука арт-рынка
Автопортрет Винсента ван Гога
Среди главных рычагов управления стоимостью на арт-рынке – мода, вкус, популярность и громкость имени художника. Причем ценообразование зависит от типа рынка: первичный рынок, сфокусированный на молодых художниках, работы которых продаются впервые, больше опирается на личный вкус коллекционера и оригинальность работы. Прибыли от инвестиции на первичном рынке более непредсказуемы, но в случае удачи они могут принести суммы, многократно превосходящие стоимость изначальной покупки. До вторичного рынка искусство не всегда добирается при жизни художника. Ван Гог, например, при жизни продал всего одну свою картину. Когда работа перепродается, ее цена зависит не только от объективных факторов в виде провенанса и физического состояния, но и от мастерства арт-дилера, который должен правильно преподнести работу и адекватно оценить ее стоимость.
Вероятно, вам также будет интересно:
Культурные события осени, билеты на которые надо покупать уже сейчас
Гид по мировым арт-ярмаркам
Как Уильям Моррис стал одним из первых дизайнеров в мире?
4 великих автора подделок
5 современных британских художников, о которых нужно знать
Фото: Getty Images
Стопроцентное средство от угона
Технику рисования аэрографом называют «воздушной кистью» — аэрограф распыляет струи воздуха с мельчайшими каплями краски. Раньше аэрографию не считали серьёзным искусством. Теперь же аэрография не только в моде, но и довольно высокооплачиваема.
Волки на запаске
Конечно, можно сэкономить, просто оклеив автомобиль специальной плёнкой. Но, в отличие от аэрографии, плёнка недолговечна, легко обдирается и царапается. А вот аэрография не только надолго, но ещё и уникальна. Кроме того, с помощью аэрографии можно замаскировать мелкие недостатки – содранную краску, царапинки.
Но самое главное, аэрография – стопроцентное средство от угона: никто не решится украсть столь заметное авто.
Снегири на авто
Правда, есть у разрисованных машинок и минус: продать такой автомобиль может оказаться сложнее – ведь не каждому аэрография на авто придётся по душе.
Зимний пейзаж со снегирями
Рисование аэрографом имеет свою специфику. К тому же этой технике не учат в школах рисования. Конечно, если повезёт, какой-нибудь мастер может взяться обучать. Но, с другой стороны, кому интересно собственными руками вырастить конкурента. Так что обычно аэрографии учатся сами.
— Вообще проще научиться аэрографии самостоятельно, имея необходимое оборудование, материалы и хорошо проветриваемое помещение, чем кого-то упросить научить вас, — утверждает мастер.
Игорь тоже самоучка. Искал книги известных мастеров современности, знакомился с работами других в Интернете. Навыки, полученные в художественной школе, помогли освоить аэрографию. Игорь впервые взял в руки аэрограф ещё в школе, когда оформлял школьные стенгазеты и плакаты. Правда, аэрографией в современном виде это назвать нельзя. Скорее это была, по выражению Игоря, «пылесосография по трафаретам».
Одна из первых работ Игоря
Поначалу тренировался на всех металлических поверхностях, какие только попадались: кухонная мебель, детские игрушки, модели самолётов. Одной из первых работ стал разрисованный холодильник – морская тема с девушкой. Этот холодильник до сих пор стоит в мастерской Игоря. Один из клиентов даже пытался стереть с холодильника капли воды. Не сразу понял, что они нарисованные.
Как определить качество искусства?
Здесь в комплексе работают сразу несколько критериев: провенанс работы, ее физическое состояние, эстетическое качество и редкость. То есть единственная, идеально сохранившаяся работа художника Х, имеющая безупречную репутацию, априори будет стоить гораздо дороже, чем поврежденная серийная картина малоизвестного художника Y, которая несколько раз перепродавалась на черном рынке и имеет сомнительную подлинность. Давайте посмотрим детальнее.
Провенанс
С французского «провенанс» дословно переводится как «происхождение». Достоверный источник работы считается важнейшим показателем ее репутации. Как только художник снимает картину с мольберта, начинается ее история. Картину могут продавать, передавать по наследству, дарить музеям, красть, повреждать, скрывать и копировать. Все эти действия – часть провенанса искусства. Прежде чем продавать картину, арт-дилеры и аукционы уточняют ее провенанс, проводя огромное исследование источников, подтверждающее передвижение картины из коллекции в коллекцию. Для этого поднимают архивы, проверяют старинные чеки о продаже и покупке произведений и сверяются с каталогами резоне. Каталог резоне (от французского «критический каталог») – это сводка всех работ художника с подробным описанием их состояния и провенанса. Такие каталоги начали выпускать в ХХ веке, как только появилась возможность фотографировать работы и включать их черно-белые копии в эти каталоги. Идеальный провенанс для картины – кочевать из одной королевской коллекции в другую и на несколько десятков лет задержаться в национальном музее. Если же в провенансе картины есть «черные дыры», то ее стоимость моментально падает.
Физическое состояние
Говоря об искусстве, которое пережило не одно столетие, важно учитывать его физическое состояние. Повреждения холста, кракелюр, сколы красочного слоя, выцветание лака – эти и другие виды деформаций уменьшают эстимейт продаваемого произведения
Но реставрация искусства – не панацея от его обесценивания. Если картину отреставрировать так, что на ней не останется ни одного авторского слоя, то ее вообще будет невозможно продать.
Эстетика и оригинальность
Фрэнсис Бэкон
Если абстрагироваться от моды (о ней мы поговорим в контексте трендов арт-рынка), то каждое произведение искусства имеет художественную ценность. Ее определяют эксперты аукционных домов, авторитетные арт-критики и исследователи искусства. Помимо того что работа может просто нравиться или не нравиться, ее эстетическая ценность отражена в оригинальности художественного замысла, композиции, технике и внутреннем голосе самой работы. Безусловно, живописные «Кувшинки» Моне радуют глаз сильнее, чем душераздирающая «Кричащая голова» Фрэнсиса Бэкона, но эти работы объединены художественной индивидуальностью и экспрессией. Кстати, статус великого художника далеко не всегда значит, что все работы этого автора великолепны. За любым громким именем стоят как шедевры, так и заурядные, проходные работы. Например, Ренуар писал по картине в день, и все они уходили с молотка, причем лишь некоторые можно назвать по-настоящему выдающимися. Отличать значимое от рядового эксперты учатся на практике: чем больше произведений одного автора они увидели, тем сильнее их способность выбрать самые-самые.
Редкость
Энди Уорхол
Критерий редкости работает в арт-рынке так же, как и в luxury-сегменте. Чем более лимитированная коллекция одежды, тем дороже она стоит. Чем меньше непроданных картин Ван Гога доступны на рынке, тем больше за него попросят. Чтобы узнать, насколько эксклюзивен тот или иной художник, арт-дилеры проводят исследования, обращаются к каталогам и сопоставляют пропорцию шедевров, надолго «осевших» в музеях, и работ, свободно циркулирующих по арт-рынку. Когда в 1987 году умер Энди Уорхол, его работы не стоили запредельных денег. Все думали, что художник тиражировал свой поп-арт в сотнях экземплярах, но как только появился первый каталог его работ, выяснилось, что серии Уорхола гораздо более редкие, и цены на них сразу подскочили.
Классическое и современное искусство
Каждую осень московский Гостиный Двор превращается в самый полный смотр того, чем сегодня живет мир арта. Концентрация картин, инсталляций и художников создает на международной ярмарке современного искусства Cosmoscow уникальную атмосферу, окунувшись в которую понимаешь, что искусство находится в постоянном движении и проникает буквально повсюду. Именно поэтому, увидев на стенде Audi – давнего партнера выставки – автомобили, не чувствуешь никакого диссонанса: в каждом изгибе их линий заметны те же движения кисти художника, что и на висящих по соседству картинах. Вообще, мало какая другая компания настолько тесно связана с искусством. Вот уже более полувека Audi выступает партнером и организатором значимых культурных событий по всему миру. Фестиваль в Зальцбурге, Берлинский кинофестиваль, Миланская неделя дизайна – все это части культурной программы Audi Art Experience. Не остается компания из Ингольштадта в стороне и от самых современных течений в digital art.
Digital Art
Все, что мы видим на экранах – от видеоигр до приложений в смартфоне, – носит отпечаток цифрового искусства, которое развивается с 60-х годов XX века. 2020 год стал расцветом этого направления. При закрытых музеях экран был единственным окном в мир арта. Самые интересные работы современных художников стали частью конкурса Audi Born-Digital Award 2020. Первое место в нем занял Павел Сельдемиров со своим проектом The Becoming. Презентация этой работы состоялась во флагманском шоуруме Audi City Moscow: гости с помощью VR-очков могли отправиться в путешествие по бесконечному лесу, полному примет нашего времени и зашифрованных цитат из произведений искусства прошлых лет.
Световая полоса задних фонарей по всей ширине кузова Audi – знаковый элемент работ дизайнера Марка Лихте.
Внутри арт-объекта
Автомобиль – уникальный объект, в котором соединены достижения инженеров и дизайнеров, редкое произведение искусства, внутрь которого можно попасть. В салоне Audi e-tron вы оказываетесь в мире digital art: цифровая приборная панель, два тачскрина мультимедийной системы, экраны вместо зеркал. Здесь особенно четко ощущаешь, насколько тесно виртуальный мир сегодня взаимодействует с миром реальным, и видишь, как дизайн осязаемых предметов – руля, сидений, элементов отделки – продолжается в интерфейсе бортовых систем. Где граница реального и цифрового миров? Может быть, там, где в салоне Audi e-tron проходят линии контурной подсветки салона? И существует ли сегодня эта граница вообще?
The becoming – тотальная инсталляция, сочетающая живую растительность, мир VR и «черные зеркала» экранов.
Вероятно, вам также будет интересно:
Куда съездить на выходных из Москвы
Легенды улиц: гид по спортивным подразделениям автогигантов
6 автомобилей для трека, на которых могут гонять даже любители
Картины на холсте в интерьере: как правильно подобрать
Картины маслом на холсте не только украшают дом. Они всегда имеют личную ценность для хозяина. Поэтому нередко шедевр приобретается человеком по «зову души»: стоишь перед полотном и знаешь, что оно твое. В такой ситуации точно и не представляется, куда его разместить. Есть ряд ориентиров, на которые можно опираться при размещении шедевров у себя дома.
Первое — для разных комнат подходят разные сюжеты. Учитывается и общий интерьер помещения, оттенки и геометрия стен. К примеру, в спальне желательна атмосфера расслабления и релаксации. Здесь размещают пейзажи маслом на холсте или картину с фламинго. Если отталкиваться от этих сюжетов, состояние покоя и отдыха в спальне наступает гораздо быстрее. Визуальная информация влияет на наши чувства и состояния. На полотне должны быть неброские черты и теплые, мягкие оттенки. Для гостиной актуальными становятся наоборот, красочные веселые сюжеты. Для кухни подходят мотивы еды: аппетитные ягоды на холсте или любимое блюдо хозяев.
Второе — желательно не приобретать картины, которые несут какой-либо негатив: разрушенные сооружения, сломанные объекты, природные катаклизмы и прочее.
Третье — брать в учет габариты полотна и сопоставлять их со свободным пространством в помещении. Если комната слишком «загрязнена» различными полочками, шкафами и сервантами, никакая картина не сможет украсить интерьер, она просто «затеряется» в общем дизайне.
Рекомендуется учитывать стиль дизайна квартиры и стиль произведения искусства. Интерьер в стиле кантри или прованс отлично сочетается с природными сюжетами, с мелкими ненавязчивыми цветами или с натюрмортом.
Чтобы полотно правильно село на стену, нужно учитывать главное правило. Оно заключается в том, чтобы картину можно было просмотреть с разных углов помещения. Зритель не должен прикладывать усилий к тому, чтобы рассмотреть произведение искусства. Желательно, чтобы полотно располагалось на уровне глаз.
Особенности транспортировки
При транспортировке произведений искусств в наибольшей степени они подвергаются риску быть поврежденными (трещины, сколы, царапины) при тряске
Во избежание подобного, кроме грамотного подхода к упаковке, крайне важно оптимально составлять план следования. Во время его обозначения следует обходить бездорожье и магистрали с плохим дорожным покрытием
Водителям, которым доверена транспортировка произведений искусств, важно знать о том, что они транспортируют ценные грузы. Более того, для этих целей следует допускать сотрудников с опытом и соответствующей квалификацией
Нередко транспортировку картин нельзя осуществлять в обычном транспортном средстве. В таком случае используют специально оборудованный автомобиль, кузов которого отвечает ряду требований. В первую очередь, акцент делается на стабильности уровня влажности и температуры.
Погрузочно-разгрузочные работы являются одним из этапов транспортирования любых товарно-материальных ценностей и произведения искусства тому не исключения. Однако, из-за хрупкости и высочайшей ценности к таким мероприятиям не стоит допускать неквалифицированный персонал. От того, насколько правильно и аккуратно будет происходить погрузочно-разгрузочный процесс, зависит и то, в каком состоянии окажутся полотна по прибытию в конечный пункт.
При транспортировании картин, еще на этапе погрузочно-разгрузочных мероприятий, рекомендуется привлечение специалиста-реставратора, музейного хранителя и лица, представляющего заказчика.
Самые известные современные украинские художники
Александр Ройтбурд — один из самых «дорогих» профессиональных живописцев из Одессы. На данный момент занимает должность директора крупного художественного музея в Одессе. Работы творца выделяются своеобразной эпатажностью и разноплановостью. Александр пробует себя также в роли фотографа. Художественные выставки автора проводятся не только на территории Украины, но также в США и РФ. Его шедевр «Прощай, Караваджо», стоимостью 97000 долларов США — рекордсмен по стоимости среди украинских произведений искусств.
Василий Цаголов работает в Киеве, входит в рейтинг самых дорогих и профессиональных творцов в Украине. Самая дорогая работа продана за 53600 долларов. Василий считается самым кинематографичным художником, его работы «живые», большинство из них отличаются эффектом «в движении». Шедевры Цаголова в стиле постмодерн — это единение мифологии с современной культурой общества.
Арсен Савадов — представитель украинской художественной культуры на территории Европы и США. В своих работах Арсен старается совмещать нотки постмодернизма с барочным менталитетом. Автору уже давно присвоено звание представителя украинского неоэкспрессионизма и необарокко. Произведение «Печаль Клеопатры», написанное в соавторстве с Г. Сенченко, считается своеобразной границей, перешагнув через которую начинается новый период художественного искусства в Украине.
Олег Тистол — уважаемый в Европе украинский живописец, представитель «новой волны» искусства в Украине. Работам Олега присуще своеобразное чувство юмора, политические нотки и протестантские намеки. У автора очень специфичная и броская манера в рисовании. В 2014 году в Вене прошла его самая крупная выставка «Я капля в океане».
Михаил Демцю — львовский художник, обладатель ряда наград, удостоен звания заслуженного деятеля искусств Украины. Каждый шаг в его творчестве раскрывает все новые и новые грани таланта. На его полотнах можно увидеть роскошные натюрморты, величественные морские сюжеты и романтичные истории из жизни гуцулов. Михаила в творчестве интересует не только человек, но и все то, что окружает человека в этом мире. В его работах присутствуют нотки ирреализма и особого мироощущения. По отзывам критиков, Михаил пишет картины, с точностью передавая не общепринятые взгляды на окружающую действительность, а лично свои. Пейзажная живопись — его самое любимое направление. Привлекают взор его картины, на которых отображены силуэты животных в интенсивных синих и красных тонах.
